Soirée Paul, Rigal, Millepied, Lock à l'Opéra de Paris

Ouvrant avec Répliques, la pièce de Nicolas Paul interroge finement la question de « l’image miroir » selon l’expression de Mary Wigman. En effet, le danseur doit faire coïncider en lui la sensation intérieure et le regard extérieur. La danse naît dans cet espace intermédiaire où s’établit par la pratique une adéquation entre l’image idéale – l’image du mouvement “ juste ”- et l’image produite – le mouvement exécuté et éventuellement rectifié en fonction de l’image idéale. Au cours de ce processus, la conscience exacerbée qu’a le danseur de son corps consiste justement à déréaliser le corps pour le faire advenir comme forme abstraite. C’est de cet entre-deux entre lui et l’autre que naît la chorégraphie de Répliques, qui, par ailleurs s’appuie sur la construction sonore de plusieurs partitions de Györgi Ligeti, qui, avec leurs feuilletages et leurs répercussions évoquent ce trouble de la perception intime. De ce fait, la chorégraphie, traduit l’idée d’une vision corporelle fragmentée et incertaine telle qu’elle apparaît dans le miroir pour un danseur, en attirant le regard sur des parties du corps, en subvertissant les perspectives et par là-même ses proportions. C’est à ce titre un vrai travail d’orfèvre qui ne peut laisser le moindre détail au hasard. Tout en transparences et en illusions, renforcées par la belle scénographie de Paul Andreu, ces Répliques créent une sorte de miroitement qui laisse entrevoir un invisible du mouvement.

"Salut" de Pierre Rigal, galerie photo de Laurent Philippe

Enfin, Edouard Lock dans AndréAuria nous fait plonger dans l’aspect le plus virtuose de la danse classique revisitée années 90. Plus vite. Plus fort. Plus risqué. Sur la musique pour deux pianos de David Lang, la danse apparaît à chaque fois comme une déflagration. D’une complexité et d’une rapidité inouïe, la chorégraphie semble dissocier – on serait même tenté d’écrire disséquer – les corps dansant. Les croisements et rotations des jambes, qui enchaînent piqués, retirés, entrechats revus et corrigés s’opposent plus qu’ils ne s’accordent avec une gestuelle des bras qui lâchent ce que retiennent les jambes. C’est hallucinant, et Alice Renavand ne peut que nous laisser bouche-bée dans sa première apparition, bientôt rejointe par Valentine Colasante et Héloïse Bourdon, Mélanie Hurel, Lydie Vareilhes puis Fanny Gorse. La chorégraphie des hommes, franchement athlétique, est d’une puissance rare, c’est presque un concours de virtuosité entre Mathias Heymann, Josua Hoffalt, Stéphane Bullion, Germain Louvet et Simon Valastro. Tous, hommes comme femmes ont une acuité dans le mouvement sidérante, et les lumières qui font alterner l’extrême crudité de faisceaux à des noirs brutaux n’est pas sans rappeler les scénographies d’un Forsythe. Sous jacent, le thème que suggère le titre, AndréAuria, prénom d’un travesti, s’inscrit en filigrane quand Alice Renavand endosse le costume de ses partenaires masculins et tente de s’approprier leur gestuelle avant de revenir aux gestes esquissés du féminin. Il y a pourtant une sorte d’ironie mordante voire de charge sarcastique dans ces poncifs attachés au genre, qui ressort comme une critique sans concession d’un romantisme attaché au ballet.