« NO OCO » de Loïc Touzé et « Static Shot » de Maud Le Pladec

Nous avons assisté au double programme ouvrant la saison du Ballet de Lorraine à l’Opéra nancéen et pu, enfin, découvrir deux créations de deux figures de la danse contemporaine hexagonale, NO OCO de Loïc Touzé et Static Shot de Maud Le Pladec. Pour ce qu’il nous a semblé, il s’agit de deux facettes d’une pièce de monnaie chorégraphique rendue comme un hommage à une belle compagnie de vingt-trois danseurs, hommes et femmes confondus.

Compte tenu de la qualité d’interprétation de ces jeunes artistes formés au classique et qui s’ajustent avec talent à l’avant-garde, au postmoderne et au contemporain, nous avons été surpris d’apprendre à cette occasion que le budget de fonctionnement d’un des meilleurs Ballets du pays, avec ceux de l’Opéra de Paris, de Malandain et de Preljocaj, a été amputé par la présidence de la région « Grand Est » de 10%. Comme si la danse, art considéré moins « grand » que le théâtre ou la musique, était encore un luxe. La salle bien remplie, composée de spectateurs de tous âges et conditions sociales, qui a suivi attentivement les deux parties du programme proposé par Petter Jacobsson et Thomas Caley a longuement applaudi auteurs et interprètes à l’issue du gala démontre selon nous le contraire.

Pourtant, la pièce de Loïc Touzé, NO OCO, est sans aucune concession. Elle n’a, de prime abord, rien qui puisse être qualifié de complaisant, ne vise pas au spectaculaire,  n’offre pas de gestes virtuoses. Qui plus est, que ce soit l’éclairage de Caty Olive, réduit à cinquante-six spots plongeant la scène dans une quasi-pénombre probablement pour raisons éco-esthétiques, que ce soient les costumes d’Alice Gautier et Martine Augsbourger aux teintes éteintes, intemporels ou atemporels, ou la scénographie de Miranda Kaplan avec une table interminable, placée ce qu’il faut de travers pour faire moderne – on a en tête le concept de décentrementnikolaïen –, tous ces éléments ne sont pas exaltants. 

D’autant que les danseurs, formés au chant par le « coach vocal » Myriam Djemour, ont à jouer les choristes d’un répertoire qui va du blues au fado. Les efforts du public ont été récompensés par l’esprit de finesse dont fait preuve le chorégraphe et la délicatesse déployée par les danseurs, en solo, en duos, en sections, séparés par le podium au centre de la scène (ou, comme le fera remarquer une spectatrice, de « cène » la tablée étant composée de près du double d’apôtres) pouvant aussi faire office de catwalk. Le chant s’est en fin de déambulation changé en cris, en cris d’animaux sur une arche de Noé. Force a été de constater que l’audience a suivi la recommandation de Jean de La Fontaine : « Patience et longueur de temps font plus que force ni que rage ».

Galerie photo © Laurent Philippe