Ballet de Bordeaux : Quatre Tendances

La musique signée Bhima Yunusov, un faux mélodique un peu sirupeux, ajoute à cette atmosphère mélancolique, apanage d’une maturité réflexive et « Belle ». Quand les autres danseuses reviennent, elles se déploient en petits groupes, croisant les lignes de la chorégraphie en tours et arabesques et faisant émerger du chaos une certaine sagesse qui se matérialise dans cette écriture très maîtrisée.
Enfin, la troisième partie beaucoup plus jazz réunit « Beautés et Bêtes » dans une seule et même ligne diagonale, laissant place à un duo fantastique entre la jeunesse et la maturité, la « Bête » tout en heurts sauvages, et la « Belle » tout en extensions paisibles, tandis que du sable s’écoule des cintres sur la scène et qu’un nuage de fumée évoque le passage du temps.

Après ce ballet de danseuses, Obsidian Tear de Wayne McGregor a été chorégraphié uniquement pour des danseurs. Le premier d’entre eux, torse nu et jupe pantalon rouge (extraordinaire Riku Ota), se meut lentement en courbes infinies, tandis qu’un autre (Ashley Whittle), dans la même tenue, mais en noir, lui répond. Plutôt qu’un duo, ce sont deux solos en miroir qui s’accordent et se désaccordent, l’homme en rouge extrêmement fluide, dans ses tours finis pliés au sol, dans ses ports de bras moelleux, l’homme en noir plus précis, plus pressé et plus sec. Il y a quelque chose du Chant du compagnon errant de Béjart dans ce Pas de deux contemporain, qui évoque l’ami ou l’ombre qui l’accompagne, ou peut-être d’un Orphée qui retrouverait un Eurydice masculin.

Toujours est-il que dans ce ballet, Wayne McGregor développe une intelligence du discours chorégraphique tout à fait exceptionnelle, ne s’appuyant que sur des inflexions du dos, des déroulés de bras qui soudain font sens. Il faut dire que la musique, signée Esa-Pekka Salonen et intitulée Nyx, comme la déesse de la Nuit, fille du Chaos, mère de la Mort, le Sommeil, la Destruction et d’Eros, offre un cadre dramaturgique formidable. C’est d’ailleurs en l’entendant lors de sa création en 2011 que McGregor a eu l’intuition de cette chorégraphie mystérieuse, sombre et brillante comme l’obsidienne de son titre.
S’y insère également Lachen verlernt (Désapprendre à rire) du même compositeur et son violon déchirant (Tear, signifiant aussi déchirer). L’autre source d’inspiration étant une légende amérindienne racontant le sort d’une tribu poursuivie par une cavalerie américaine qui préféra sauter d’une falaise plutôt qu’être vaincue, les larmes de leurs proches se transformant en « larmes d’obsidienne ».Cette pierre noire et réfléchissante naît de la roche en fusion, transformée en lave, puis refroidie brutalement. C’est pourquoi dans la scénographie, s’affrontent le noir et le rouge incandescent, apparu comme une bande lumineuse en avant-scène, ou baignant tout l’espace. La gestuelle est à la fois classique et très originale – très exigeante également, avec ses tours sautés en attitude, sa souplesse, ses portés fugaces et ses explosions brusques, ou ses mouvements de tendresse assez fraternelle quand ils se tiennent par les épaules. Mais surtout elle distille une ambiguïté permanente dans ces rapports de domination, où l’on ne sait plus qui manipule l’autre, s’il s’agit d’un reflet, d’un double, si c’est de l’amour de l’admiration, ou de l’amitié… Mais sans la moindre tentative de séduction.

Tout va changer avec l’arrivée d’un troisième personnage (Marc-Emmanuel Zanoli) en robe noire très « couture » avec ses développés musculeux et ses pas étirés à souhait.
Bientôt rejoints par d’autres hommes en noir (tous habillés par Katie Shillingford, célèbre directrice mode ayant rassemblé pour l’occasion des pièces de créateurs emblématiques), Obsidian Tear devient plus sulfureuse, plus dangereuse, plus transgressive. Rien n’est souligné, ni même affiché, mais l’atmosphère sécrète une sorte de backstage beaucoup plus violent que ce qui est montré sur le plateau, une sorte d’Enfer caché. Sur le plateau les corps apparaissent comme des hiéroglyphes, puis s’enchevêtrent, tandis que l’Homme en rouge est peu à peu écarté, puis molesté. Rite ? Sacrifice ? Il y a de l’Élu(e) dans ce personnage décalé tout en flexibilité face à cette meute qui le traque. Mais aussi une sorte d’érotisme sombre et fascinant, comme l’obsidienne chatoyante devenue verre volcanique. La chorégraphie aussi se fait éruptive, impétueuse, rude. Sauts et tours s’accélèrent. L’homme en rouge est sans cesse agressé, jusqu’à finir à la trappe ! Comme à la fin l’homme en noir qui l’y avait précipité.

Parce qu’elle était la lauréate du Prix du jury au Concours de Biarritz 2023 qui récompense les jeunes chorégraphes, le Ballet de l’Opéra national de Bordeaux a passé commande à Ana Isabel Casquilho de ce Between Worlds. Dès le début nous comprenons qu’il s’agit d’un même organisme incarné par de nombreux danseurs qui se meut sous nos yeux. Mais elle s’inspire aussi de la paralysie du sommeil, un état qu’elle a elle-même vécu et dont elle exprime les contradictions entre physique et mental via cet être pluriel, qui peut bouger d’un côté tout en étant figé de l’autre. Pour traduire chorégraphiquement ce hiatus entre deux mondes (Between Worlds), elle utilise toutes les techniques à sa disposition, d’où un vocabulaire assez étonnant et plutôt dynamique, qui mêle à la danse classique, la technique Graham, des déploiements de bras à partir d’une ligne de face qui rappellent tout autant les canons chers à Crystal Pite que la danse traditionnelle chinoise, mais aussi des élans plus jazzy américains à la Robbins ou Ailey. Ce qui donne au finale une pièce pour onze danseurs et danseuses très prometteuse. Dommage que le patchwork musical ne serve sans doute pas cette création comme elle le mériterait.

Galerie photos © Maria Helena Buckley.