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Ouverture de la biennale en Wallonie avec un nouveau dialogue danse-cinéma qui interroge le XXIe siècle. 

Dans un monde balayé par les cataclysmes, quelle place reste-t-il pour l’intimité ? Le chant des ruines, nouvelle création de Michèle Noiret, s’intéresse à une situation de rupture, un point de non-retour. La fin des certitudes. Entre les protagonistes, les relations se tissent dans des paysages et des situations instables, comme en décomposition.

Ces ruines en devenir sont-elles les « ruines de l’Europe » de Hamlet Machine de Heiner Müller ? Ou bien annoncent-elles le XXIe siècle, tel qu’il s’annonce, et donc chaque jour un peu plus désastreux ? Chez le dramaturge berlinois, de Hamlet Machine à Quartett, les paysages post-apocalyptiques sont une sorte d’enfer définitif. Chez Noiret, la désolation est un état consenti, un monde parallèle aux multiples visages où les corps chantent à la fois la tragédie et le quotidien, et l’un semble découler de l’autre.

Images et pouvoir / Le pouvoir de l’image

Le chassé-croisé commence sur un sol couvert de plaques, tectoniques peut-être. Ou bien comme sur des radeaux. Bientôt, le système entier est entraîné dans un tourbillon et des failles commencent à s’ouvrir. Le sol se déchire et les radeaux sombrent, sous l’œil d’une caméra. Le chant des ruines met le cap sur l’image. Sans chavirer. Sur un écran immense, qui se déploie sur tout le mur de fond, apparaissent paysages et corps filmés en direct. Et pourtant ces visions semblent venir de loin.

L’œil du spectateur cherche le fil qui lie l’action sur le plateau à l’image. Il cherche la caméra, sans la trouver. Le lien entre la matière et sa représentation préserve son secret. Les projections ne reproduisent pas, elles mettent en perspective et font chavirer le regard. Les plaques tournoyantes sous les pieds des danseurs deviennent une marée dévorante. Deux corps enlacés se transforment en un dessin mouvant. Un tas de papier déchiré se mue en paysage apocalyptique.

Poétique et en même temps perturbant, ce processus construit un nouveau rapport au réel, au cœur même de la pièce. Le traitement des images, secrètement arrachées au plateau, introduit une incertitude spectaculaire concernant le statut de ce qui est donné à voir. Ces images sont séduisantes, époustouflantes. En même temps, elles inquiètent, puisqu’elles mettent au grand jour les possibilités infinies de la manipulation.

Survivre au XXIe siècle

De quelles ruines cette pièce est-elle le chant ? Michèle Noiret aborde ici la disparition des certitudes et les vestiges de notre rapport au réel, par une nouvelle réflexion sur le rôle des images au XXIe siècle. Car si le XXe siècle était celui des images relatant la réalité (en expérimentant quelques décalages), le XXIe est celui des images créant le réel. Chez Noiret, à fortiori, les images créent la danse, depuis que la chorégraphe bruxelloise a commencé à développer sa « danse-cinéma », une vision de la création qui évolue avec son époque.

Vers quoi nous emportera ce siècle dont nous venons de traverser un cinquième, déjà ? Au bouleversement du rapport au réel s’ajoutent d’autres évolutions, aux conséquences plus directement dramatiques et physiques sur chacun.e. C’est pourquoi dans certains tableaux, les danseurs portent des masques, comme pour se protéger de la pollution, des virus ou simplement de l’autre… Et Sara Tan, que nous connaissons grâce à ses rôles dans les créations de Kubilaï Khan, s’adresse à nous, sans écran interposé, pour vanter un guide de survie au XXIe siècle ou pour interroger notre volonté de devenir un.e citoyen.ne parfait.e du XXIe siècle. Comiques, car traitées sur le mode d’un tutoriel Youtube ou d’une publicité, ses interventions sont le running gag de la soirée.

Galerie photo © Sergine Laloux

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